Un Occhio Vede, l'altro sente. P.Klee

L’atto del sentire, suscitato da uno stimolo: colto dall’occhio, che lo ritiene rilevante, cui la mente si oppone, generando uno stato psichico chiamato emozione. La cui matrice vige in un dipinto, in una foto se non in una scultura che rappresentino, attraverso le rispettive forme e colori, la meta del percorso condotto da ogni artista. La ricerca dello strumento ideale che azzeri la distanza tra la visione interiore e la sua rappresentazione, di cui l’opera generata altro non è che il miglior riflesso: tangibile e condiviso, ma pur sempre personale. Dai cui insieme vibra una sola voce collettiva, come l’eco di un coro, i cui timbri e toni dei componenti conservano le rispettive individualità e possibilità espressive. Distinte tra loro ma al contempo raccolte, con sistemica armonia, come le stelle del firmamento: nell’intento compiuto di esprimere ed interpretare la magia dell’arte, cogliendo l’invito a lasciarci sedurre dalla sua innata poesia.

Testo critico e presentazione: Pietro Franca

di Silvia Bruzzi il testo critico della stessa opera

Titolo: Equilibri Instabili Tecnica: Mista ( cretacolor, oro mat acrilico e oro )

 I sentimenti ci portano a perdere l'equilibrio. Non ci aiutano nel compito di essere presenti a noi stessi e spesso ci fanno vedere in modo sfalsato la realtà. Nella danza la centratura è fondamentale per poter stare in equilibrio, anche se in posizioni difficili e a volte impossibili. La stessa importanza ha la nostra mente, nel rimandarci simulacri di realtà a volte sbagliate. In questa costante metamorfosi di equilibri instabili, si compie la nostra vita. Una continua dicotomia del vuoto e pieno, del buio e luce, dell'armonia e del caos, della sofferenza e dell'AMORE: Unico fine dell'esistenza. La scelta del verde smeraldo è perché è l'unico colore ad avere una connotazione sia calda che fredda. Il verde è il mio colore preferito rimanda alla natura e mi da una sensazione di armonia. I due "oro" simboleggiano una sorta di divino, di spinta verso pensieri alti, belli, puri. L'oro mat invece intorno alla figura, è lo stato di metamorfosi in cui l'equilibrio è incostante e quindi non chiaro, fluttuante. La posizione della figura è improbabile, ma i danzatori spesso riescono in imprese uniche. L'allungamento e la tensione è al massimo e in contrasto con la parte inferiore, che è tesa ma rilassata allo stesso tempo. L'anatomia è resa senza volumi solo con la linea e le forme dei muscoli, per rimandare a un "qualcuno" di ieratico. Non c'è da spaventarsi, bisogna solo allenarsi (come fanno i danzatori) a tendere i nostri pensieri e centrarli per non oscillare in queste continue dicotomie che porterebbero solo sofferenza, invece è molto importante imparare a stare in equilibri instabili ben centrati. Silvia Bruzzi

 Dal 1 Agosto al 31 Agosto 2022 Cervia

presso le Officine del Sale Cervia

Collettiva d'Arte Opere di

Silvia Bruzzi, Francesca Rocchi e Alessandra Montanari

​

'Essere mare in tre diverse preposizioni.
Tra il mare e la terra Francesca, con le sue ceramiche, interpreta così il suo essere mare.
Al mare, guardando il tramonto e il gioco delle onde è essere mare per Silvia.
Nel mare, nelle sue profondità popolate di micro e macro esseri che sono mare per per Alessandra'

"Indefinita" 1/08/2019-31/08/2019   Officine del Sale- Cervia 

testo critico a cura di Daniela Ventura- Vai alla pagina

​Silvia Bruzzi è una artista bolognese che spesso definisce se stessa “artigiana”.

Diplomata all'Accademia d'Arte della sua città, ha partecipato a stage, corsi di perfezionamento, elaborazione di progetti. Diverse sono le collettive alle quali ha preso parte e diverse le mostre da lei organizzate presso lo “Spazio Zampieri” e il Laboratorio Artistico che gestisce nella sua città. Silvia ha una personalità poliedrica e quindi numerose sono le sfaccettature della sua arte o meglio delle tecniche artistiche che utilizza per esprimere sé stessa: l'olio, le matite, l'acquerello, l'incisione a punta secca e, per finire, la ceramica raku. “Non sono mai stata capace di dedicarmi ad una sola tecnica. Mi sentirei un po' sminuita...anche se i grandi artisti spesso si sono specializzati in un genere, un linguaggio che fosse loro più consono. I più, però, sono passati anche per numerose sperimentazioni. Io forse sono ancora nella 'fase sperimentale'...e forse non ne uscirò mai!”

Silvia, inoltre, cerca di trasmettere le proprie conoscenze e le capacità tecniche nei momenti artistici che gestisce con un successo nel suo Laboratorio di via D. Zampieri, 4/A a Bologna. Non solo lezioni di disegno, pittura, incisione o raku, ma anche un continuo impegno nell'educare ai valori dell'arte e della natura, nel cercare di trasmettere agli allievi – adulti o bambini - l'importanza di riuscire a provare quella soddisfazione che sempre ti dà la creazione di un manufatto proprio.  La ceramica raku Silvia Bruzzi è molto legata alla lavorazione della ceramica raku, poiché si sente particolarmente vicina alla filosofia che l'ha ispirata. Dice Silvia: “ Il termine raku è una parola giapponese usata per esprime il concetto della gioia di vivere che provi quando sei rilassato e stai bene con te stesso. L'anima stessa del raku, poi, è rappresentata dallo stretto legame degli elementi naturali – Terra, Acqua, Aria, Fuoco – che collaborano con l'arista alla creazione delle sue opere. La cosa bella è che spesso durante le varie fasi della lavorazione avvengono delle reazioni chimiche inaspettate, per i più diversi motivi. E l'oggetto risultante non è così come te lo aspettavi! Una stupenda sorpresa quasi ogni volta...” Il raku è una tecnica di cottura dell'argilla, anzi di una qualità di argilla particolarmente dura e refrattaria visto il calore al quale essa deve essere sottoposta in cottura. L'invenzione del raku è attribuita ad un artigiano coreano del XVI secolo d.C. che la mise a punto durante una serie di esperimenti per produrre un materiale adatto alla cerimonia del tè, che fosse, inoltre, in perfetta sintonia con la filosofia zen. Infatti, questa tecnica rappresenta la sintesi perfetta dell'utilizzo di terra, aria, acqua e fuoco. Inoltre il termine si riferiva, un tempo, anche al sobborgo di Kyōto nel quale si estraeva l'argilla durante il XVI secolo. Circa due secoli dopo la sua invenzione, i maestri giapponesi, che lavoravano l'argilla in questo modo, scrissero un dettagliato manuale per diffondere la tecnica con la necessaria precisione ed è così che il raku è arrivato anche in occidente ed oggi, nei musei di tutto il mondo, si possono ammirare delle vere e proprie opere d'arte create seguendo i dettami di quell'antico trattato.  Dopo aver modellato e cotto a 900-1000° C un pezzo in argilla refrattaria bianca, si procede alla decorazione usando ossidi o smalti, ad esempio per ottenere un bel verde si utilizza l'ossido di rame. Oppure si può decorare l'argilla tramite riduzione cioè in assenza di ossigeno. Dopo aver foggiato ed essiccato all'aria il manufatto, lo si cuoce una prima volta. Poi lo si toglie incandescente dal forno e lo si mette in un bidone con carta e paglia che ne favoriscono la fumigazione. Se si chiude completamente il contenitore, in modo che non entri aria, si ha una riduzione totale e si ottiene un oggetto nero; tecnica questa già in uso anche presso gli etruschi che, però, usavano un tipo diverso di terra. Si può, comunque, modificare la riduzione in base ad una serie di variabili: il combustibile (il suo potere di combustione, la sua umidità), il tempo che intercorre tra l'estrazione e la riduzione (cioè il tempo di contatto con l'ossigeno), la copertura - totale o parziale – dell'oggetto. Si avrà così una terracotta che vira dal nero al grigio chiaro. Quindi la si decora e si passa ad una seconda cottura.    Daniela Ventura

“Segni Diversi"- Inaugurazione ore 16   ​14° GdC- Giornata del Contemporaneo

Sabato 13 ottobre 2018   LEGGI IL TESTO CRITICO     AMACI.ORG

Recensione di Daniela Ventura      SEGNI DIVERSI

​Un'amicizia artistica nata sulla base di un comune background di studi – 

presso l'Istituto d'Arte e l'Accademia di Bologna –

è ciò che unisce Silvia Bruzzi ed Alessandra Montanari. Accomunate anche dall'interesse per l'incisione a punta secca e l'acquerello, esse differiscono sia nel segno che nella scelta dei soggetti.

Silvia Bruzzi, con tratti decisi, raffigura nelle stampe soprattutto monumenti ed edifici della sua città, mentre con gli acquerelli fa piroettare sulla carta ballerine in tutù, danzatori moderni o 

torna al tema dalla città in chiave onirica.

Alessandra Montanari predilige comunque la natura: gli alberi, le foglie, le piante perdute sono senz'altro i soggetti che ama maggiormente, forse anche per i suoi studi universitari alla Facoltà di Agraria. Alessandra ha esercitato la sua passione per la biologia e la zoologia, illustrando diversi volumi scientifici ed ha affinato le tecniche dell'acquerello in un corso presso il Kew Garden di Londra. Le sue incisioni, come gli acquerelli, sposano la precisione scientifica con l'amore forte e palpabile per una natura a rischio. Alessandra Montanari, inoltre, esprime la sua creatività con istallazioni artistiche di notevole effetto, utilizzando materiali diversi: il vetro soffiato, stoffe di lino o di canapa, carta, strumenti a percussione...; 

 mentre Silvia Bruzzi ama profondamente la lavorazione della ceramica “raku”.

In perfetta sintonia con la filosofia zen, questa tecnica rappresenta la sintesi degli elementi naturali, poiché alla creazione di un qualsiasi oggetto creato con il raku concorrono Terra, Aria, Acqua e Fuoco.

Sia Silvia che Sandra cercano di trasmettere le proprie conoscenze e capacità tecniche nei laboratori artistici che gestiscono con un certo successo; non solo, ma si impegnano anche nell'educare ai valori dell'arte e della natura, oltre a cercare di trasmettere agli allievi l'importanza di riuscire a provare quella soddisfazione che sempre ti dà la creazione di un proprio manufatto.  D. Ventura

Daniela Ventura - 4 Maggio 2018- Galleria Farini a Venezia

Galleria Farini Grazia Galdenzi     Roberto Dudine ​

Doppia Recensione per questa Collettiva D'Arte a Venezia    Seconda recensione Leggi tutto​

LEGGI IL TESTO CRITICO ​

Prima recensione

Il raku è una tecnica di cottura dell'argilla, anzi di una qualità di argilla particolarmente dura e refrattaria visto il calore al quale essa deve essere sottoposta in cottura.

L'invenzione del raku è attribuita ad un artigiano coreano del XVI secolo d.C. che la mise a punto durante una serie di esperimenti per produrre un materiale adatto alla cerimonia del tè, che fosse, inoltre, in perfetta sintonia con la filosofia zen. Infatti, questa tecnica rappresenta la sintesi degli elementi naturali, poiché alla creazione di un qualsiasi oggetto creato con il raku concorrono Terra, Aria, Acqua e Fuoco.
Circa due secoli dopo la sua invenzione, i maestri giapponesi, che lavoravano l'argilla in questo modo, scrissero un dettagliato manuale per diffondere la tecnica

con la necessaria precisione ed è così che il raku è arrivato anche in occidente.

Oggi, nei musei di tutto il mondo, si possono ammirare delle vere e proprie opere d'arte create

seguendo i dettami di quell'antico trattato.

   Silvia Bruzzi è un'artista molto legata alla lavorazione della ceramica raku, poiché si sente particolarmente vicina alla filosofia che l'ha ispirata. Dice Silvia: “ Il termine raku è una parola giapponese usata per esprime il concetto della gioia di vivere che provi quando sei rilassato e stai bene con te stesso.

Contemporaneamente, un tempo, si riferiva anche al sobborgo di Kyōto

 nel quale si estraeva l'argilla durante il XVI secolo.
   Mi dà grande soddisfazione creare oggetti artistici usando questa tecnica. Dopo aver modellato e cotto a 900-1000° C'è un pezzo in argilla refrattaria bianca, si procede alla decorazione usando ossidi o smalti,  ad esempio per ottenere un bel verde si utilizza l'ossido di rame.  Oppure si può decorare l'argilla tramite riduzione cioè in assenza di ossigeno.  Dopo aver foggiato ed essiccato all'aria il manufatto, lo si cuoce una prima volta. Poi lo si toglie incandescente dal forno e lo si mette in un bidone con carta e paglia che ne favoriscono la fumigazione. Se si chiude completamente il contenitore, in modo che non entri aria, si ha una riduzione totale e si ottiene un oggetto nero.

E questa tecnica era già in uso anche presso gli etruschi...Ma possiamo modificare la riduzione in base ad una serie di variabili: il combustibile (il suo potere di combustione, la sua umidità), il tempo che intercorre tra l'estrazione e la riduzione (cioè il tempo di contatto con l'ossigeno), la copertura - totale o parziale – dell'oggetto. Ed avremo così una terracotta che vira dal nero al grigio chiaro. Quindi la si decora e si passa ad una seconda cottura.
   Possiamo quindi dire che l'anima stessa del raku sia proprio lo stretto legame

con gli elementi naturali che collaborano con l'arista alla creazione delle sue opere.”

E quale soggetto migliore del mare può esserci per rappresentare la natura?

L'acqua di quel mare che a Venezia percorre i sinuosi canali, passa sotto i ponti, lambisce le fondamenta delle case e dei palazzi fino a risalire gli scivoli degli squeri, anche i meglio nascosti, ed infine si ritrae, in un lento movimento di flusso e riflusso, in accordo con la luna. Un labirinto d'acqua in cui è così piacevole perdersi.
   Se poi il mare è solcato da un veliero, ecco che abbiamo la perfetta metafora della vita. La nostra vita che nasce nell'acqua dell'utero materno, solca onde ora placide, ora tumultuose, fino ad accompagnarci all' “Isola dei Morti”.
Daniela Ventura

​Guarda l'esposizione e scarica l'invito

Ottobre 2015: recensione della giornalista e scrittrice Sabrina Bagatta

"...Arte è multiforme rappresentazione del pensiero, ruscello di idee che

sfocia in qualcosa in cui è bello immergersi per lasciarsi

avvolgere e trasportare via, seguendo ulteriori nuove correnti.

Arte è confronto di punti di vista, esplosione a volte prepotente,

altre volte più timida, di immaginazione resa tangibile dall’abilità.

Soprattutto, tra i tanti aggettivi che le sono propri e scusandomi

per il gioco di parole, l’arte é ARTicolata, proprio come il titolo dato

all’esposizione di tre creativi che hanno inaugurato

un nuovo punto di riferimento per le esposizioni bolognesi (Spazio Zampieri)

nel corso dell’undicesima Giornata del Contemporaneo.

Silvia Bruzzi, Alessandro Sun e Progetto MM

con questa esperienza hanno raccontato al mondo

quanto fare arte possa essere eterogeneo eppure aggregante.

Dall’acquerello alla decorazione, passando per le tarsie lignee,

questa collettiva temporanea ha dato modo di scoprire il vero ingegno.

Fantasia ed esperienza hanno dimostrato la perfetta fusione,

unendo l’ideale al reale. Questo è fare arte. Questo è talento."

​Sabrina Bagatta   giornalista e scrittrice